Ministro Ampuero inaugura muestra ‘África, Obras de Arte del Museo Etnológico de Berlín’

   Roberto Ampuero y  Luciano Cruz-Coke, actual y antiguo ministro de Cultura respectivamente.

Con un sentido discurso del ministro de Cultura, Roberto Ampuero, recalcando la importancia de muestras como ésta para ampliar los horizontes culturales de los chilenos, se inauguró ayer la exposición «África, Obras de Arte del Museo Etnológico de Berlín», la cual cuenta con más de 180 piezas, especialmente esculturas y sobrerrelieves, en madera y metales (bronce y latón), además de algunos textiles y fotografías contemporáneas, que se exhibe a partir del 1 de agosto en el Centro Cultural La Moneda.

«Esta exhibición representa siglos de historia, de magníficas manifestaciones artísticas y de culturas milenarias provenientes de tierras cautivantes que convergen bajo el alero de esta muestra. Con sus más de 180 piezas, esta invaluable exhibición es una de las colecciones de arte africano más importantes del mundo y ha sido presentada anteriormente en Alemania y Brasil con imponente éxito de visitantes», dijo el ministro Roberto Ampuero.

La exposición, que permanecerá abierta hasta el 24 de noviembre, entrega una nueva mirada sobre el arte africano, desvinculándolo, poniendo en valor sus creaciones como obras de arte en el contexto internacional. La muestra exhibe, principalmente, obras procedentes de los reinos de Camerún y Benin, de los siglos XVI al XX, en los cuales se desarrolla un arte cortesano, donde los reyes contrataban a artistas destacados, que gozaban de un prestigio especial al interior de la comunidad por su talento creativo, para realizar especialmente esculturas y sobrerrelieves, algunos utilizados como elementos arquitectónicos, mobiliarios o adornos corporales.

La colección, considerada la más importante del mundo en arte africano, fue cuidadosamente trasladada en aviones cargueros de Lan Cargo, diseñados especialmente para resguardar la seguridad de las piezas.

(Fuente:  http://entretenimiento.terra.cl/ministro-ampuero-inaugura-muestra-africa-obras-de-arte-del-museo-etnologico-de-berlin,2cef5bd106430410VgnCLD2000000ec6eb0aRCRD.html  y selección de Patrick)

FRIEDRICH GAUERMANN (1773-1843) – Cuando el fotógrafo era el pintor.

Friedrich Gauermann, litografía de Joseph Kriehuber.

«Friedrich Gauermann (10 de septiembre de 1807 – 7 de julio de 1862), pintor austriaco, hijo del pintor de paisajes Jacob Gauermann (1773-1843), nació en Miesenbach cerca de Gutenstein en el sur de Austria.

Su padre quería que se dedicara a la agricultura, pero el ejemplo de un hermano mayor, el cual murió joven, fomentó su inclinación hacia el arte. Bajo la dirección de su padre empezó los estudios de paisajes, también copió los trabajos de los mejores en pintura de animales los cuales fueron almacenados en la biblioteca de la academia y la corte de Viena. En verano hizo viajes de arte por los distritos de Styria, el Tirol y Salzburgo.

Dos pinturas de animales que exhibió en la exposición de Viena de 1824 fueron vistas como pinturas notables para sus años, y lo llevaron a sus comisiones de recepción en 1825 y 1826 del Príncipe Metternich y Caraman, el embajador francés. Su reputación aumentó notablemente gracias a su pintura «La Tormenta,» exhibida en 1829, y desde ése momento sus trabajos fueron muy codiciados y alcanzaron unos precios altos. Su «Labrador» fue vista por muchos como la imagen más significativa en la exhibición de Viena de 1834, y sus muchas pinturas sobre animales le han situado como uno de los mejores en la materia.

La peculiaridad de sus pinturas es la representación de figuras animales y humanas en conexión, con paisajes apropiados y en situaciones características para manifestar la naturaleza como un todo viviente, y particularmente sobresale en la representación de la vida de los animales en escenarios de montaña. Junto con la gran maestría de los tecnicismos de su arte, sus trabajos ofrecían una mirada paciente y afilada, dirección libre y correcta de los detalles, y una coloración limpia. Murió en Viena el 7 de julio de 1862.

Muchas de sus pinturas han sido grabadas, y después de su muerte una selección de 53 de sus obras fueron preparadas para este propósito por el austriaco Kunstverein (De la Unión de Arte).

En septiembre de 2007 el correo austriaco emitió un sello postal conmemorando el 200 aniversario de su nacimiento.»

 

 

 

ALEX ALEMANY: PINTOR VALENCIANO

Alex Alemany – excelente pintor surrealista, aunque algunos hablan de realismo mágico.  Pintor de sueños y ensueños, de imaginación y poesía.   Destaca la delicadeza con que pinta la figura femenina, jóvenes y niñas.  También encontramos psicología en las pinturas o retratos de personajes famosos. Creo que logró muy bien a Fidel Castro, desde el movimiento de sus manos..  

GABRIEL PICART: PINTOR CATALÁN

 

Gabriel Picart   con su realismo fino, no fotográfico,  nos fascina por la prolijidad con que pinta a sus modelos y el vestuario que ellas visten, por ejemplo en la obra «El biombo de grullas» donde podemos admirar los detalles del traje japonés.  También me impresiona como capta sentimientos y emociones, por ejemplo, en  el retrato «The joy of life»,  o «Tenderness» o «Quietness», entre otros..

El biombo de grullas.

The joy of life.

Tenderness

Quietness.

 

 

 

DO DUY TUAN: PINTOR VIETNAMITA.

Do Duy Tuanel ,  el pintor vietnamita  cuyas pinturas delicadas, de suaves colores, donde parece existir una musa que vive en cada de sus obras, nos encanta.   Es uno de los más talentosos pintores de Vietnam y un profundo pensador Zen. La gran mayoría de sus pinturas son mujeres.

Do Duy Tuan, nació en 1954 en Thua Thien Hue – Vietnam. Graduado de Hue Fine Arts College, es uno de los artistas más talentosos en el campo del arte moderno y contemporáneo en Vietnam.

Ha recibido numerosos premios de las competiciones y exposiciones a nivel internacional. En dos ocasiones, ha recibido el Certificado de Reconocimiento del Grupo Phillip Morris de Empresas ASEAN Art Awards.

Do Duy Tuan dice:  «»Finalmente encontré mi paz interior, y se refleja en mis creaciones. Mi arte abarca el ambiente nostálgico y romántico de Hue, del pasado glorioso, y el sueño divino, como la belleza que todavía tengo que reconciliar con la civilización actual.».

  

Agrega:  «Mis temas reflejan mi corazón y alma y no un reto, porque yo quiero que mis espectadores para apreciar y disfrutar de ellos como si fueran en realidad la creación de las obras de arte a sí mismos. » .

 

Gustave Courbet: maravilloso realismo..

Gustave Courbet

«Fue como el estruendo de una tromba que hubiese pasado por la sala de exposición, sacudiendo y rompiendo los cristales»
(Castagnary, 1884)

Zorro en la nieve.  1860.  Museo de Arte de Dallas.  

Gustave Courbet  El hombre con el cinturón de cuero© RMN (Musée d’Orsay) / Hervé Lewandowski

Fue en Ornans, pequeña ciudad situada en el corazón del Franco-Condado, que Gustave Courbet viene al mundo en 1819. Era el mayor y único hijo varón de una familia de cuatro niños; una familia unida y acomodada, gracias al importante patrimonio rural de su padre. Durante toda su vida, Courbet demostró el afecto que sentía por los suyos, a los que realizó numerosos retratos, a veces en medio de los personajes de sus grandes composiciones. Ese mismo vínculo le une a su región natal, que le sirve de decorado para muchos de sus cuadros. A lo largo de su vida, Courbet visita los países nórdicos donde le admiran, vive en París, viaja a Saintonge, cuna de su amigo Castagnary, o a Normandía con el pintor americano Whistler, o también a Montpellier invitado por Bruyas, amigo y mecenas, pero siempre regresa al Franco-Condado.

Con una «inquebrantable confianza en sí mismo y una indomable tenacidad» (Castagnary), Courbet se lanza en una carrera artística prolífica que se articula entorno a cuatro periodos clave.

Los años de juventud (1833-1848)

Gustave Courbet El hombre herido© photo RMN

Hacia la edad de catorce años, Gustave Courbet se sensibilizó con la pintura por medio del maestro Baud, un profesor de Ornans, quien fuera a su vez alumno de Gros. Instalado en Besançon a partir de 1837, el joven continúa su formación como émulo de David. Courbet tiene veinte años cuando llega a París para matricularse en la facultad de Derecho, pero muy pronto el joven se desvía de esta dirección y prefiere acudir a los talleres de Steuben y de Suisse. Copia a los maestros del Louvre tales como Rembrandt, Hals, Rubens, Caravaggio o Ticiano y en la «galería española» de Luis Felipe, descubre a Velázquez o a Zurbarán, al que también admiraba Manet. Entre sus compatriotas, Courbet admira a Géricault y Delacroix, dos maestros románticos que utilizaron los grandes formatos para pintar episodios de la historia contemporánea.

A lo largo de este periodo, Courbet todavía sigue buscándose. En varias ocasiones, se retrata con énfasi (El desesperado, 1841; El hombre del perro negro, 1842; El hombre herido, 1844-1854; El hombre con cinturón de cuero. Retrato del artista, 1845-1846).
Más allá de las influencias de los maestros del pasado y de los románticos, ya afirma la ambición de desempeñar un protagonismo fundamental en la historia del arte a través de una pintura personal y sincera.

«ya que Realismo hay…» (1848-1855)

En 1848, Courbet, que hasta la fecha había hecho pocas exposiciones en el Salón, puede por fin presentar unos diez lienzos, donde destaca y entabla una relación de amistad con el crítico Champfleury, beneficiándose de ahora en adelante de un reconocimiento público, confirmado al año siguiente con la compra por el Estado deUna sobremesa en Ornans (Lille, museo de Bellas Artes). La obtención de la medalla de segunda clase, en dicha ocasión, le libera a partir de entonces de pasar por el jurado, hasta 1857, año en que se cambian las reglas.

Gustave CourbetUn entierro en Ornans© RMN (Musée d’Orsay) / Hervé Lewandowski

Con otras obras, sin embargo, Courbet se enfrenta a la incomprensión y provoca el escándalo, como ocurriera en 1849 con Los picapedreros (obra destruida) y más tarde con Un entierro en Ornans en el Salón de 1850-1851. En esta segunda mitad del siglo XIX, conforme a la tradición académica, los cuadros de gran formato están reservados a temas históricos, bíblicos, mitológicos o alegóricos. Courbet maltrata esta convención pintando un mundo familiar, doméstico en grandes lienzos. Consideraba que la historia contemporánea, ya fuese aquella de la gente del pueblo, merecía estos grandes formatos, afirmando que «El arte histórico es en esencia contemporáneo», con lo que Courbet expresa su deseo de reformar la pintura histórica. El título original del Entierro, Cuadro histórico de un entierro en Ornans, es emblemático desde este punto de vista. Durante este periodo, Courbet tiene un encuentro decisivo para el futuro de su carrera: Alfred Bruyas (1821-1877), un rico coleccionista, natural de Montpellier, compra Las bañistas. A partir de entonces, se convierte en un verdadero mecenas para el artista, que puede de este modo, vivir de su pintura en total independencia. El reconocimiento también viene del extranjero. A partir de 1854, en Berlín y en Viena, se disputan el honor de mostrar a Courbet.

Este periodo encuentra su apogeo en El taller del pintor (1854-1855), verdadero cuadro-manifiesto en el que Courbet reivindica sus opciones artísticas y políticas. Courbet da, además, a esta obra de cerca de cuatro metros por seis el subtítulo evocador de Alegoría real que determina una fase de siete años de mi vida artística y moral. 
El jurado del Salón de 1855 acepta más de diez cuadros de Courbet, pero rechaza suTaller, debido al tamaño del cuadro. Esta decisión incita a Courbet a organizar una exposición particular, al margen de la Exposición Universal, en un recinto edificado a su costa y que nombra el «Pabellón del Realismo».

Los años fastos (1856-1870)

Gustave Courbet  Las señoritas a orillas del Sena.

Un cuadro mostrado en el Salón de 1857, Las señoritas a orillas del Sena (París, Petit Palais), permite a Courbet constituir un círculo fiel de simpatizantes y defensores. 

Courbet expone con regularidad en el Salón, los encargos afluyen. Su abundante producción se desarrolla entorno a temáticas diversas: escena de caza, paisajes, bodegones florales. Pero, agitador por naturaleza, el artista atrae de nuevo el escándalo con El regreso de la conferencia (1863, obra desaparecida, sin duda adquirida por algún contemporáneo indignado, con la intención de destruirla) que muestra a eclesiásticos ebrios y divagando por un camino rural. El lienzo fue rechazado en el Salón de 1863 «por ultraje a la moral religiosa». ¡Incluso se le prohibirá la entrada en el Salón de los Rechazados! 

Al año siguiente, Venus y Psique (obra desaparecida) fue también rechazada en el Salón por «indecencia». Fue durante este mismo periodo que Courbet pintó su obra más provocadora, El Origen del Mundo (1866), encargo privado que permaneció durante un tiempo inédita para el público. Con motivo de la Exposición Universal celebrada en París en 1867, Courbet expone esta vez nueve lienzos en el Salón. Este reconocimiento no le impide, sin embargo, organizar de nuevo una exposición personal en un edificio construido en la plaza del Alma, donde el público puede contemplar cerca de ciento cuarenta de sus obras. The Wave.

Durante el verano de 1869, Courbet se establece en Etretat, donde crea, sobre todo,El mar tormentoso y El acantilado de Etretat después de la tormenta. En el Salón de 1870, ambos cuadros fueron acogidos con unánimes alabanzas y la reputación de Courbet queda a partir de entonces solidamente afianzada.

Gustave Courbet El acantilado de Etretat después de la tormenta© Musée d’Orsay

Courbet y la Comuna (1870-1871)

 

Gustave Courbet Courbet en Sainte-Pélagie© RMN (Musée d’Orsay) / Thierry Le Mage

Tras la caída del Segundo Imperio, Courbet es elegido Presidente de la Federación de artistas. Mientras que París sufre el sitio de los ejércitos prusianos y que muchos huyen de la capital, Courbet permanece en la ciudad. Él, que ya había seguido con interés los acontecimientos de 1848, guarda sin duda en la mente el recuerdo de su abuelo, revolucionario «sans-culotte» en 1789. En febrero de 1871, su compromiso se confirma: se presenta a las elecciones legislativas, sin éxito. En abril de 1871, la comisión ejecutiva de la Comuna de París le encarga reabrir los museos parisinos y organizar el Salón. 
Electo del Consejo de la Comuna, Gustave Courbet, sin embargo, no es guardia nacional y no participa pues en los combates. Detenido por los versalleses el 7 de junio, en septiembre el pintor fue condenado a seis meses de cárcel y a una multa de 500 francos, a los que se añadieron 6 850 francos de gastos procesales. La sentencia es más bien clemente, comparada con las penas de muerte y de deportación que afectan a otros partidarios de la Comuna… pero tan solo es el comienzo de sus problemas judiciales.

Tiempos difíciles (1871-1877)

Louis Boitte Proyecto satírico de un monumento a Courbet, plaza Vendôme© RMN (Musée d’Orsay) / Hervé Lewandowski

La demolición, el 16 de mayo de 1871, de la columna Vendôme, erigida por Napoleón I,y convertida en símbolo del Primer y Segundo Imperio, había sido votada por la Comuna el 12 de abril de 1871, o sea, cuatro días antes de la elección de Courbet. Pero el artista había tenido la imprudencia de lanzar en septiembre de 1870 una petición en la que reclamaba al gobierno de la Defensa nacional que le autorizaran «quitar de en medio» la columna. 
En 1873, tras un nuevo proceso, Courbet fue juzgado responsable y se le condena a abonar los gastos de reconstrucción de la columna, que alcanzaban los 323 091 francos. Courbet pierde gran parte de su fortuna y decide instalarse en Suiza, temiendo ser de nuevo encarcelado. Durante su exilio, el Estado embarga sus bienes, vigila a sus amigos y a su familia. La inestabilidad política de los primeros años de la III República no es muy favorable a los antiguos partidarios de la Comuna. Courbet se niega a volver a Francia antes del voto de una ley de amnistía general. 

Gustave Courbet La Trucha© RMN (Musée d’Orsay) / Hervé Lewandowski

Pese a la benevolente acogida que tiene en Suiza, Courbet se hunde en este exilio: se pierde en el alcohol y tan solo produce en muy raras ocasiones obras dignas de su talento. Los problemas de dinero y los trámites procesales se convierten en una obsesión. Muere el 31 de diciembre de 1877 en la Tour-de-Peilz, pocos días después de la dispersión de su taller en una subasta pública.

Posteridad

Gustave CourbetEl «hallali» del ciervo© musée d’Orsay

«Mira la sombra en la nieve, me dijo Courbet, lo azul que está… Esto no lo saben hacer los aspaventeros de nieve de la cámara». Esta observación del pintor, relatada por Castagnary, verdadera incitación a la pintura a partir del motivo, abre la vía a los ensayos impresionistas sobre las sombras coloreadas. 
Sus pinturas de paisaje entusiasman especialmente a Cézanne: «Su gran aportación» afirma a propósito de Courbet «es la introducción lírica de la naturaleza, del olor de las hojas mojadas, de las paredes musgosas del bosque, en la pintura del siglo XIX […]. ¡Y la nieve; ha pintado la nieve como nadie!». Durante los años 1860, Cézanne utiliza la espátula, acorde a la técnica de Courbet, al igual que los colores oscuros y la pasta espesa. Edouard Manet (1832-1883) no disimula su deuda de cara a Courbet. Al igual que este, atrae el escándalo y los sarcasmos. El desayuno sobre la hierba fue rechazado en el Salón de 1863, y posteriormente abucheado en el Salón de los Rechazados. LaOlympia, provocadora «odalisca con vientre amarillo» del Salón de 1865, focaliza la animosidad del público. Por su voluntad de liberarse de las reglas académicas, Manet prolonga el camino marcado por Courbet.

James McNeill Whistler (1834-1903), alumno de Courbet, entabla con este una relación de amistad. Joanna Hiffernan, llamada Jo la Irlandesa, amante del artista americano, fue además la presunta modelo del Origen del Mundo (1866). Con él, Courbet pinta las costas de Normandía, así como con Eugène Boudin (1824-1898).

Claude Monet El Desayuno sobre la hierba© Musée d’Orsay, dist. RMN / Patrice Schmidt

En su Desayuno en la hierba (1866), retrata a un joven corpulento, cuyos rasgos recuerdan a los de Courbet. Este último también realizó visitas al joven artista que terminaba el cuadro en el taller que compartía con Bazille. Carolus Duran (1837-1917) fue influenciado por Courbet a principios de los años 1860.

Por esa misma época, Henri Fantin- Latour (1836-1904) conoce a Gustave Courbet y trabaja en su efímero taller.

Renoir (1841-1919) comienza también bajo la influencia de Courbet, antes de liberarse de ella. Los desnudos de Courbet lo marcan de forma permanente.

(Fuente:  http://www.musee-orsay.fr/es/colecciones/resena-courbet/biografia.html y selección de Patrick Jonas)

 

Literatura japonesa: Haijines, las mujeres en el haiku japonés

Por María Márquez

Las haijines fueron poetisas que a principios del siglo XVIII que aprendieron el arte del haiku de la mano Basho o de sus discípulos. Algunos poetas acompañan el haiku realizando una pintura, siendo Matsuo Basho el primero en adoptar esta costumbre.

Traducción de Alfredo Lavergne y Mitsuo Horiguk
Ilustraciones de Kaouru Saito, artista grabador japonés. 1931

A continuación, una selección de haikus de mujeres haijines:

Ni una sola hoja No duerme ni la luna En este sauce

 

 Den Sute-jo (1633-1698)Discípula de Basho.

Cuidado.
La contemplación del cerezo
embriaga.

Ogawa Shushiki (1669-1725)

En las lluvias de primavera
Todas las cosas
Son más bellas

Chiyo-Ni (Kaga No Chiyo. 1703-1775)

Las flores caídas
Ahora nuestras mentes
Están en paz

Matsumoto Koyu-Ni (Haijina del siglo XVIII)

Quietud.
Una mariposa fuera de la lluvia
vaga en mi alcoba.

Seifu-Ni (Enomoto Seifujo) (1732-1814)

El bote se aleja
y forma un camino blanco
mi dolor y su huella.

Akiko Yanakiwara (1878-1942)

 La luna cala
entre mi ropa
hasta mi piel.

Sugita Hisajo (1890-1946)

 

(Fuente:  Publicado por Paz Cerezo en Facebook  y selección de patricia roi jonas en el mismo espacio)

HAPPY BIRTHDAY TO ME..

   

  

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(Fuente:  http://piedrasnaturales.blogbyt.es/2012/04/25/sugel-co-coleccion-primavera-verano-2012/  y selección de patrick jonas)