Alucinógena e intensa es la retrospectiva de Yayoi Kusama en Chile

 

 

La reconocida artista japonesa Yayoi Kusama, precursora del movimiento del arte pop, minimalismo y arte feminista, presentará su obra en el Centro de las Artes 660 / CA 660 para finalizar la gira de su retrospectiva «Yayoi Kusama: Obsesión infinita». Luego de presentarse en Brasil, Argentina y México, sus trabajos ya están en Chile y podrán ser visitados hasta el 7 de junio.

El pasado siete de marzo se inauguró  la retrospectiva “Yayoi Kusama: Obsesión Infinita”, en el Centro de las Artes 660/ CA 660. La muestra  incluye más de 100 obras, entre papeles, pinturas, esculturas, videos, presentaciones con diapositivas y espectaculares instalaciones;  todas con una intensidad alucinógena que refleja la particular mirada del mundo de esta artista japonesa.

Los trabajos exhibidos en la exposición, fueron creados entre 1950 y 2013, y dan cuenta del camino que ha hecho Kusama durante sus 60 años de carrera, un recorrido que va desde el ámbito privado a la esfera pública, desde la pintura a la performance, desde el taller a la calle. Cada una de las piezas presentes en esta exposición fue creada pensando en que el espectador interactúe con ella y se haga parte del mundo surrealista de esta artista.

La muestra, que es curada por  Philip Larratt-Smith y Frances Morris, estará abierta al público de lunes a domingo con entrada liberada de 10 a 16.30 horas.

La directora general de la Fundación CorpArtes, Jacqueline Plass, invitó al público a conocer parte de la obra de esta artista japonesa y recalcó que “Yayoi Kusama es una figura muy importante en la historia del arte del siglo XX y atractiva para millones de personas por lo colorida y lúdica que es su estética. En todas las sedes en las que se ha presentado Obsesión Infinita ha sido éxito de visitas y en muchas ha batido récords. Debido a la importancia de su arte y lo llamativa de su obra, esperamos que en Chile se genere el mismo efecto y podamos llegar a todos los seguidores de Kusama y también a muchos que incluso no han estado en un museo antes”.

Agregó que “éste es uno de los grandes hitos culturales que presentaremos el 2015 en busca de abrir nuevos espacios de cultura para un público cada vez más amplio y heterogéneo, desarrollando propuestas artísticas innovadoras y diferenciadoras”.

Esta muestra, que estará abierta al público hasta el 7 de  junio, es parte de una gira latinoamericana organizada por Instituto Tomie Ohtake, representante de la artista en este continente. El Instituto es quien gestiona entre otros asuntos, el préstamo de las obras con los coleccionistas, también realizó el diseño museográfico, realizará el montaje y junto a  los curadores y a Studio Kusama -ubicado en Japón- supervisan cada etapa del proceso.

El título Obsesión infinita sintetiza en dos palabras los polos del universo de Kusama. Por una parte “obsesión” tiene que ver con la recurrencia de íconos que esta artista ha trabajado a lo largo de su carrera y, por otro, “infinita” se refiere a su capacidad de trabajo y a las alusiones al cosmos y los espacios sin fin.

Una de las preocupaciones permanentes de Kusama ha sido representar el espacio infinito. Un buen ejemplo es el uso que le ha dado a los espejos, transformándolos en un elemento recurrente hasta hoy. Para esta exhibición presentará la famosa instalación Infinity Mirror Room, que busca invitar a los espectadores a dejar en suspenso su propia percepción para sumarse en el viaje que Kusama hace hacia la anulación.

Sobre Yayoi Kusama

Icono del arte del siglo XX, Yayoi Kusama nació en Matsumoto, Japón, en 1929. Desde muy temprana edad se interesó por el arte, lo que la llevó a estudiar Nihonga -pinturas de estilo japonés- en 1948.  Tiempo más tarde comenzó a desarrollar obras semi abstractas y series, como la celebrada Infinity Net, caracterizada por la repetición infinita de arcos de pinturas. En 1957 partió a Nueva York donde produjo pinturas influenciadas por el expresionismo abstracto. Ahí conoció a reconocidos artistas como Andy Warhol, Donald Judd y Joseph Cornell, marcando un hito en su carrera. De la pintura pasó a las esculturas blandas  -conocidas como Accumulations– y luego a los performances en vivo y happenings -en los cuales se pintaba a participantes desnudos con lunares de colores brillantes-, transformándose en una gran figura de la cultura neoyorquina de avant garde.

En 1973, volvió a Japón y en 1977 se internó voluntariamente en una clínica siquiátrica ubicada en Tokio, donde vive hasta el día de hoy. Desde entonces, ha continuado produciendo obras en diferentes medios, a lo que le ha sumado la publicación de varias novelas, poesías y una autobiografía. Reconocidos museos del mundo, como MoMA, Whitney, Tate Modern, Reina Sofía y otros, han presentado retrospectivas de su trabajo, lo que la ha llevado a ser conocida como la artista japonesa viva más célebre de su país.

Obsesión infinita estará abierta al público desde el 7 de marzo al 7 de junio. Centro de las Artes 660 / CA 660, Rosario Norte 660, nivel -2, Las Condes. Metro Manquehue. Más informaciones en el sitio de CA 660

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(Fuente:  http://radio.uchile.cl/2015/03/09/alucinogena-e-intensa-es-la-retrospectiva-de-yayoi-kusama-en-chile  y selección de Patrick)

 

 

El bar macabro

 (Cuentos del Lavabo, apenas un intento , by Silvina Läufer)( Para todos …)

18 de noviembre de 2014 a la(s) 22:01

Noche de una leve llovizna.

Las luces del puerto se duplican en las aceras mojadas y el viento del norte entre las hayas se mezcla con el graznido de los cuervos.

Al final de la calle, un bar de hospitalidad dudosa.

Pero entramos, con la indulgencia de nuestros mejores silencios. 

Tras una larga e incómoda espera, nuestros cafés, acompañados con una breve medida de vodka, arriban a la mesa.

No nos llevó mucho tiempo advertir en una de las servilletas el siguiente texto:

«Debes entrar de noche en un baño sin ventanas y en el que no entre nada de luz.

Debes abrir la canilla del agua caliente hasta que el vapor empañe el espejo y entonces escribir sobre él este nombre: Niñoazul.

Debes apagar la luz y juntar los brazos como si estuvieras sujetando un bebé…

Pasados unos minutos comenzarás a sentir el peso de un bebé.

No lo sueltes muy rápido, pero tampoco estés con él demasiado tiempo en brazos o,

será demasiado tarde.» 

El «demasiado tarde», por alguna razón tal vez absurda, nos estremeció…

No obstante, él decidió ingresar al baño cuya puerta podía advertirse al fondo del local…

Poco después supe que, ya dentro del baño, él juntó sus brazos como si acunara a un bebé y se mantuvo inmóvil y en silencio durante unos segundos.

Luchaba contra su miedo mientras permanecía de pie frente al espejo, y así llevaba casi dos minutos cuando sintió algo en sus brazos. 

Al principio pensó que se le habían quedado dormidos debido al entumecimiento de no moverlos durante tanto tiempo.

Pero poco a poco el peso se hizo más notorio y claramente podía sentir como el pequeño cuerpo se apoyaba sobre sus brazos.

El peso era cada vez mayor, y fue entonces, dijo, cuando sintió que las pequeñas manitas del bebé comenzaron a tocarlo.

Al principio, le tocaban el brazo como una caricia, pero poco a poco trataban de trepar y tocarle la cara, el pecho y el cuello. 

 Era como si el bebé reviviera  y tratara de agarrarse a algo o alguien , y así él iba sintiendo esos arañazos en los brazos, en el cuello, en la cara.

Paralizado por el miedo no era capaz de gritar ni de moverse. 

 Dicen que él insiste en que pudo verlo, que sobre sus brazos estaba el cuerpo de un bebé muy morado que luchaba por alcanzar su rostro, que en el espejo, aún empañado, podía verse la silueta de una mujer con el rostro deformado, mirándolo con una mirada profunda y desprovista de humanidad.

Dicen que fue su grito lo que destrozó el espejo en mil pedazos; un grito tan descomunal que lo precipitó de al suelo. 

Así lo encontramos. Su cuerpo yaciendo en el suelo con una mueca de terror en su rostro cubierto de arañazos. 

Aún hoy permanece internado en un instituto neuropsiquiátrico insistiendo que el niño morado es real.

 

NOTA: Dicen que en la Tabla Ouija esa invocación es una de las más peligrosas que se puede realizar, incluso por parte de aquellas personas que han tenido la suerte de soltar al bebé, antes que sea demasiado tarde.

 

Cuenta cierta leyenda urbana que hace muchos años,  una madre, por descuido, ahogó a su pequeño hijo en la bañera.

Por atender una llamada de teléfono dejó al bebé solo por unos minutos y cuando regresó  lo encontró totalmente morado debajo del agua. La madre no soportó su pérdida y se cortó las venas con unos trozos del espejo que había destrozado en su desesperación. 

Desde entonces, en muchos parajes aledaños al puerto,  suelen decir que el alma sin descanso del niño puede ser invocada si se siguen unos determinados pasos… 

 Pero quién puede creer en ello? Acaso te lo contaron?

© Silvina Läufer, CUENTOS DEL LAVABO, 2014 (Noviembre, mes en que se me escapan ciertos intentos de cuentos de suspenso)

 

(Fuente:  https://www.facebook.com/notes/silvina-läufer/el-bar-macabro-cuentos-del-lavabo-apenas-un-intento-by-silvina-läufer-para-todos/10152430402491905»   y selección de Patrick)

LETRAS BREVES (fragmento)

 

No sé
si fue a causa de la luna hundiéndose en las crestas

No sé
si fue a causa de algún sol ensangrentado bañando el horizonte…

Te decía hace un tiempo

de esa especie de tiempos que no mide el reloj

Te decía
colecciono azucenas azules y amores desprolijos

Te decía
mi piel tiene toxinas
de libertad

Y te decía
si me atás a soles rutinarios
de hartazgo moriré un mediodía

Te decia
en caso de diluvio

así fuera
el más universal de los diluvios

de todos los probables refugios
optemos por la lluvia y el abrazo…

©Silvina Läufer, Letras Breves, fragmento

(Fuente:  Silvina Läufer  en Facebook)

 

 

EL ENCUENTRO

Cuando tus ojos se encuentran con mi soledad , 

el silencio se convierte en fruta y el sueño en temporal. 

Entonces,

se entreabren puertas prohibidas bajo la sombra de la luna.

    Cuando tu soledad se encuentra con mis ojos,

el deseo sube y se derrama; 

a veces, marea insolente, ola que corre sin fin,o savia que cae gota a gota, 

savia más ardiente que un tormento.

    Cuando tus ojos y mis ojos se encuentran,

me entrego desnuda como la lluvia.

    O como el fuego que madura las viñas…

 

 

Silvina Läufer,     El encuentro, fragmento. 

 

(Fuente:  Silvina Läufer  en Facebook)

 

GULZAR

Sampooran Singh Kalra, (born 18 August 1936) conocido popularmente por su seudónimo Gulzar, es un poeta indio, autor y director de cine. Él escribe principalmente en hindi y Punjabi; además de varios dialectos de hindi como Braj Bhasha, Khariboli, Haryanvi y Marwari.

Gulzar es un famosísimo poeta indio, nacido en 1934 en lo que después de la partición sería Pakistán. Escribe principalmente en hindi, urdu y punjabi, las lenguas de su lugar de nacimiento. Además, es letrista en Bollywood, siendo uno de los favoritos de la audiencia; pero su trabajo allí no se limita a las canciones, sino que también es guionista (por ejemplo, de la fantástica Anand, la historia de un vivaz enfermo terminal), y hasta director.

Gulzar fue galardonado con el Padma Bhushan en 2004 por su contribución a las artes y el Premio de Sahitya Akademi en 2002. Ha ganado varios Premios Nacionales de Cine y 20 premios Filmfare. En los Premios de la Academia 81a, ganó el Oscar a la Mejor Canción Original por «Jai Ho» (compartido con A. R. Rahman), para la película Slumdog Millionaire. El 31 de enero de 2010, la misma canción le valió un premio Grammy en la categoría de Premio Grammy a la Mejor Canción Escrita para una Película, Televisión u otro medio visual. Fue galardonado con el Premio Dadasaheb Phalke de 2013, el honor más alto de la India otorgado a una persona en el cine.

 

Sampooran Singh Kalra (born 18 August 1936), known popularly by his pen name Gulzar, is an Indian poet, lyricist and film director. Born in Jhelum District in British India, his family moved to India after partition. He started his career as a lyricist in the 1963 film Bandini and worked with many music directors including R. D. Burman, Salil Choudhury, Vishal Bhardwaj and A. R. Rahman. He directed films such as Aandhi and Mausam and TV series during 1970s and 1980s.

Gulzar also wrote poetry, dialogues and scripts. He was awarded Padma Bhushan, the third-highest civilian award in India, the Sahitya Akademi Award and the Dadasaheb Phalke Award — the highest award in Indian cinema. He has won several Indian National Film Awards, Filmfare Awards, one Academy Award and one Grammy Award.

 

Aquí una traducción de uno de sus poemas:

बाबा 

जब चिराग बुझता है  

इक घुआं सा उटता है 

आफताब शाम को 

जब गुस्हब होता है 

टिन का फलक भी तो 

देर तक सुलगता है 

पत्ते टूटने हैं तो 

थोड़ी दूर  उड़ते  हैं 

तुमने जाते वक्त क्योँ 

मुड़ के देखा भी नहीं 

साँस रोकी और तुम 

मिट्टी ओढ़ सो गये |

Baba

 

jab chirag bujhtaa hai

ik ghuaan saa uthta hai

aaphtaab saam ko

jab gushab hotaa hai

tin kaa falka bhi to

der tak sulgata hai

patte tutne hain to

thodi dur urte hain

tumne jate vakta kyon

mur ke dekha bhi nahin

sans roki aur tum

mitti orh so gaye.

Padre

Cuando una vela se extingue

un humo se eleva;

al caer el sol

también este cielo de hojalata

continua ardiendo;

incluso cuando las hojas caen

ellas siguen flotando en la distancia.

Entonces, cuando tú te fuiste, ¿por qué

no volviste la mirada siquiera una vez?

Sólo dejaste de respirar

te cubriste de tierra 

y te echaste a dormir.

 

 

Arte marginal en el parque de los Budas y Dioses en Tailandia.

Marginal Art in the Park in Thailand Buddhas and Gods

Pareja abrazándose, símbolo de la caducidad de las pasiones, en el parque escultorico «Sala Keoku», del artista tailandés Boun Leua Sourirat, el fallecido ermitaño con fama de santo o loco que encarnó el concepto de «arte marginal». El parque, construido a finales de la década de los 70, está poblado por más de 200 figuras, entre las que destacan media docena de budas y dioses de hasta 25 metros de alto, en una combinación de galería de arte al aire libre y lugar de culto en la provincia de Nong Khai, en el noreste de Tailandia. EFE/Gaspar Ruiz-Canela Gaspar Ruiz-Canela / EFE

 

Vista del parque escultórico «Sala Keoku» del artista tailandés Boun Leua Sourirat, el fallecido ermitaño con fama de santo o loco que encarnó el concepto de «arte marginal». El parque, construido a finales de la década de los 70, está poblado por más de 200 figuras, entre las que destacan media docena de budas y dioses de hasta 25 metros de alto, en una combinación de galería de arte al aire libre y lugar de culto en la provincia de Nong Khai, en el noreste de Tailandia. EFE/Gaspar Ruiz-Canela Gaspar Ruiz-Canela / EFE

Recinto del ciclo de la vida y la muerte en el parque «Sala Keoku», del artista tailandés Boun Leua Sourirat, el fallecido ermitaño con fama de santo o loco que encarnó el concepto de «arte marginal». El parque, construido a finales de la década de los 70, está poblado por más de 200 figuras, entre las que destacan media docena de budas y dioses de hasta 25 metros de alto, en una combinación de galería de arte al aire libre y lugar de culto en la provincia de Nong Khai, en el noreste de Tailandia. EFE/Gaspar Ruiz-Canela Gaspar Ruiz-Canela / EFE

(Fuente: http://www.elnuevoherald.com/2014/07/20/1803283/arte-marginal-en-el-parque-de.html#storylink=cpy  y selección de Patric)

BUNLEUA SULILAT

Bunleua Sulilat was born in 1932 as the seventh of eight children to a family in Nong Khai province, Thailand. According to a legend, as a young man, he fell into a cave and thus met hermit Keoku, his spiritual mentor, after whom Sala Keoku (The Hall of Keoku) is named.

Bunleua Sulilat as a young man.

Upon graduating from his apprenticeship with Keoku, Sulilat took on monumental sculpting, and proceeded with the construction (in 1958) of his first concrete sculpture garden,Buddha Park near Vientiane, Laos. Concerned about the political climate in Laos after the 1975 communist revolution, Sulilat crossed Mekong fleeing to Thailand. In 1978, he commenced the construction of a new sculpture garden, Sala Keoku, located across the river from the old one.

Sulilat’s eccentric and captivating personality and the blend of Buddhism and Hinduism he professed proved to hold great appeal to some of the locals, and Sala Keoku became something of a religious sect headquarters. The title Luang Pu (usually reserved for monks) came to be applied to Sulilat, who was technically a secular man. Both of the parks were constructed from donated concrete by hundreds of unskilled enthusiasts working without payment. Some other residents of the area considered Sulilat to be insane.

In his later years, Sulilat suffered a fall from one of his giant sculptures. Subsequently, his health deteriorated (the precise relation of his illness to the fall is unclear; he appears to have suffered from some blood disease), and he died in 1996. His mummified body has been preserved on the 3rd floor of the Sala Keoku pavilion building.

(Fuente:  http://en.wikipedia.org/wiki/Bunleua_Sulilat  y selección de Patrick)

Ganadores del Pulitzer

Conoce a los veintiún premiados; en la edición 2014, la categoría de «artículo de fondo» quedó desierta.

México

Como cada año, los premiados del Pulitzer en la categoría de servicio público reciben una medalla de oro por su trabajo, y el resto son reconocidos con 10 mil dólares.

Los galardones fueron creados en 1917 por deseo del editor de diarios Joseph Pulitzer (1847-1911).

PULITZER DE PERIODISMO 2014

Servicio público (dos ganadores): The Guardian y The Washington Postpor sus informaciones sobre el espionaje estadunidense a raíz de las revelaciones del ex analista de la CIA, Edward Snowden. (Obra completa, aquí)

Noticias de última hora: Personal de The Boston Globe. Ganador por su «exhaustiva cobertura», y uso de herramientas digitales, en los atentados del maratón de Boston, ocurridos hace un año. (Obra completa, aquí)

Periodismo de investigación: Chris Hamby, del Centro para la Integridad Pública en Washington. Por sus informes sobre cómo algunos abogados tienen un sistema para negar beneficios a mineros afectados con la enfermedad del pulmón negro. (Obra completa, aquí)

Reportaje de datos (o de divulgación): Eli Saslow, de The Washington Post. Por un trabajo sobre las ayudas alimentarias para las familias estadunidenses más desfavorecidas. Muestra «dominio en el tema», además de «escritura lúcida y clara presentación». (Obra completa, aquí)

Reporte local: Will Hobson y Michael LaForgia, del Tampa Bay Times. Por su investigación sobre las miserables condiciones habitacionales en la zona, dando lugar a rápidas reformas. (Obra completa, aquí)

Reporte nacional: David Philipps, de The Gazette, en Colorado Springs. Por ampliar el análisis de cómo son maltratados los heridos veteranos de guerra. Se centran en la perdida de los beneficios de después del alta del Ejército y que cometan delitos menores. (Obra completa, aquí)

Reporte internacional: Jason Szep y Andrew R.C. Marshall, de Reuters. Por su cobertura en la persecución de los rohingyas, minoría musulmana de Birmania. (Obra completa, aquí)

Artículo de fondo: Sin ganador.

Opinión: Stephen Henderson, de Detroit Free Press. Por sus columnas sobre la crisis financiera que enfrenta su ciudad natal. (Obra completa, aquí)

Crítica: Inga Azafrán, de The Philadelphia Inquirer. Por sus críticas a la arquitectura. Sus escritos combinan «experiencia, pasión cívica y gran facilidad de lectura». (Obra completa, aquí)

Editorial: Equipo editorial de The Oregonian, de Portland. Por sus «lúcidas editoriales» que explican el complejo tema de los costos de las pensiones. (Obra completa, aquí)

Caricatura editorial: Kevin Siers, de The Charlotte Observer. Por sus ingeniosos dibujos y estilo artístico atrevido. (Obra completa, aquí)

Fotografías de última hora: Tyler Hicks, de The New York Times. Por sus imágenes que mostraron la «destreza y valentía» en la documentación del ataque terrorista en el centro comercial de Westgate, en Kenia, en diciembre de 2013. (Obra completa, aquí)

Fotografía de reportaje:Josh Haner, de The New York Times. Por su «ensayo en movimiento» de una maratonista que —perdió sus dos piernas y— recibió parte de la explosión de una bomba en el maratón de Boston. (Obra completa, aquí)

Fotografía de reportaje:Josh Haner, de The New York Times. Por su «ensayo en movimiento» de una maratonista que —perdió sus dos piernas y— recibió parte de la explosión de una bomba en el maratón de Boston. (Obra completa, aquí)

Biografía: Margaret Fuller: Una nueva vida estadunidense, de Megan Marshall. Libro «profusamente investigado» que cuenta la historia de un autor, periodista y crítico del siglo XIX.

Poesía: 3 secciones, de Vijay Seshadri. Una «convincente» colección de poemas que examinan la conciencia humana, desde el nacimiento hasta la demencia, «con una voz que es por turnos ingeniosa y grave, compasiva e implacable».

Obra de no ficción: Toms River: una historia de la Ciencia y de la Salvación, de Dan Fagin. Libro que «combina hábilmente» el periodismo de investigación y la investigación histórica para estudiar sobre los cánceres infantiles relacionadas con el agua y la contaminación del aire.

Música: Become Ocean, de John Luther Adams. Obra orquestal estrenada el 20 de junio de 2013, por la Sinfónica de Seattle.

 

(Fuente:  http://www.milenio.com/cultura/Pulitzer-premio_Pulitzer-Snowden-The_Guardian-Washington_Post-ganadores_Pulitzer_0_280772237.html  y selección de Patrick)

El día que Chaplin venció a Disney Channel

Supongo que, a grandes rasgos, soy un padre del montón.

En los momentos de exaltación paternal, mi pareja y yo cumplimos a rajatabla el manual: creemos que no pueden existir en todo el mundo niñas de cinco y diez años más guapas, simpáticas y listas que las nuestras. Sin embargo, cuando nos ataca la lucidez, llegamos a la conclusión de que sí, son maravillosas, pero tienen múltiples defectos.

Por supuesto me responsabilizo de gran parte de las carencias que sufren. La mayoría de las veces, como padre, sé que no lo estoy haciendo todo lo bien que podría, que no les dedico el suficiente tiempo, que muchísimas veces intento eludir mis responsabilidades. Por ejemplo, no les limito en absoluto el uso de consolas, tabletas o televisión. Algunas noches, haciendo balance del día, me doy cuenta de que han estado horas y horas con la Nintendo. Al día siguiente puede ocurrir lo mismo.

Se lo permito pese a saber que no es lo mejor.

Mis hijas son normales. Leen, razonan, hacen sus deberes… Y como buenas niñas, son imprevisibles. Una noche, agotado de que vieran series estadounidenses protagonizadas por chicas y chicos estupendos -quienes, ¡oh casualidad!, siempre viven en lujosos apartamentos en Manhattan, conducen Porsches y tienen padres que, para su suerte, nunca están en casa- tuve una iniciativa que fue todo un éxito.

Corté la serie que estaban viendo y les puse la película El Chico, de Charles Chaplin. Recuerdo ahora esa noche al escuchar en la radio que se cumple el 125 aniversario del nacimiento del actor, sin duda uno de los mayores genios que ha dado la Historia del cine.

Reconozco que cuando empezó la película estaba convencido de que mi iniciativa iba a naufragar en el mar de los fracasos. La película -en blanco y negro, muda, protagonizada por un señor de bigote y bombín- no reunía los argumentos que, visto lo visto, más interesan a los niños de hoy en día.

Y, sin embargo, triunfé. Pocas veces he visto reír tanto a mis hijas como aquella noche. Me pidieron repetir hasta cinco veces la escena en la que el chico huye de la policía a toda velocidad.

Y con lágrimas en los ojos, dejaron de mirar cuando al mismo chico le separan a la fuerza de su padre-vagabundo. Durante los 52 minutos que dura la película les expliqué todo aquello que no entendían, me adelanté a algunas escenas para aumentar el interés («¡Ya veréis lo que va a ocurrir ahora, atentas!») y sobreactué riéndome a mandíbula batiente ante determinadas escenas pese a sabérmelas de memoria.

Cinco días después habían visto El chico otras tantas veces.

Semanas más tarde hice exactamente lo mismo con otra película de Chaplin: Tiempos modernos. En varios momentos tuve que parar la reproducción porque mi hija mayor, de diez años, estaba literalmente llorando de la risa -con la célebre escena de las tuercas- o gritando de la tensión (al final de la película, cuando Chaplin casi se despeña montando en patines). Mi hija de 5 años rió, gritó y disfrutó como lo que es: una enana.

Por ahora han visto El Chico, Tiempos modernos y La quimera del oro -bueno, con la última tuvieron momentos de bajón-. No es una revolución, lo sé. Pero sí una pequeña victoria. Al menos para mí. No han dejado de ver, ni dejarán de ver, series de Disney Channel que detesto, como Jessie, Mi perro tiene un blog o Shake It up. Pero saben quién es Charlot. Han visto gran cine y se han preocupado por saber cómo es posible que un trabajador tenga que estar ocho horas al día ajustando tuercas en una fábrica.

He constatado, en fin, que con un poco de esfuerzo a cualquier niño se le puede estimular, se le puede exigir un poco más de lo habitual. Y responde de forma positiva.

Para conseguirlo sólo se necesita voluntad. Y el genio de Charles Chaplin.

(Fuente:  http://www.huffingtonpost.es/guillermo-rodriguez/charles-chaplin-ninos_b_5158588.html  y selección de Patrick desde una selección de mi amiga  Asunción Muñoz Moreno en Facebook)

VIDEO. «Démarche dérangeante»: une artiste «pond» des oeufs avec son vagin.

Par LEXPRESS.fr, publié le 17/04/2014 à 18:42, mis à jour à 18:45

Milo Moiré, une artiste suisse, a réalisé une performance choc à Cologne, lors de la Foire d’art contemporaine. Complètement nue, elle a «pondu» des oeufs remplis de peinture avec son sexe pour peindre un tableau. 

Peindre un tableau avec des oeufs remplis de peinture, qu’elle éjecte… de son vagin, le tout en étant totalement nue. C’est ce qu’a fait l’artiste suisse Milo Moiré, lors de la Foire d’art contemporaine à Cologne, samedi 12 avril. Une performance artistique qui, si elle s’inscrit dans ses précédentes démarches, n’a pas manqué d’interloquer les visiteurs. Voir la vidéo ci-dessous: 

Milo Moiré, 31 ans, a intitulé sa performance PlopEgg #1, la naissance d’une peinture. Le procédé est simple, elle introduit des oeufs remplis de colorants, qu’elle «pond» ensuite au-dessus d’une toile blanche, rapporte Le Matin. 

Le monologue du vagin

«C’est une expérience personnelle, intuitive dans laquelle, je peux développer une profonde intensité, mais aussi la sincérité de mon art. Je crée et j’utilise la source originale de la féminité, mon vagin», a confié l’artiste à Le Matin. «J’ai visualisé l’archétype même de la puissance artistique féminine: la création. J’ai utilisé l’oeuf comme le symbole de naissance. La toile exprime le concept de tabula rasa et l’oeuf a lui-même, une fois cassé sur la toile, un potentiel artistique», explique encore Milo Moiré. Une argumentation qui n’est pas sans rappeler le «monologue du vagin de Maude Lebowski» dans Le Big Lebowski. 

Le quotidien suisse a également interrogé des experts: sociologues ou spécialistes des arts contemporains. «Lorsqu’on découvre ces images, tout de suite on se pose la question: est-ce que cela fait d’elle une artiste?», s’interroge l’un d’eux, qui, s’il n’est pas choqué, admet que la performance à un côté «émoustillant et dérangeant». Pas de révolution dans cette oeuvre, mais un savoir dans l’art de se faire remarquer, conclue-t-il. 

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«Ce qu’elle fait n’est pas neuf, elle met en évidence ce qui est de l’ordre du refoulé, ça évoque le sang et les sécrétions corporelles, ça signifie l’émancipation, ça se faisait déjà dans les années 60 et 70», explique un autre. À cette époque, le message consistait à dire que «L’oeuvre d’art n’est pas une marchandise, le corps est une oeuvre d’art, je ne vends pas mon corps», explique l’expert.  

Le résultat de la performance de Milo Moiré consistant à «pondre» des oeufs remplis de colorants sur une toile blanche… avec son sexe.

Capture d’écran Youtube

Sauf que l’artiste suisse va tenter de vendre sa toile le vendre. Combien? L’avenir nous le dira. Les 90 Merdes d’artiste, de Piero Manzoni, qui avait placé ses excréments dans des boites de conserve, se vendent bien 30 000 euros pièce, remarque Le Matin. 

En attendant, Milo Moiré va poursuivre sa première performance -elle s’était promené nue dans les rues de Düsseldorf en filmant la réaction des passants- dans d’autres grandes villes européennes. 

 

 

(Fuente:  http://www.lexpress.fr/culture/art/demarche-derangeante-une-artiste-pond-des-oeufs-avec-son-vagin_1509722.html  y selección de Patrick Jonas)

HACER EL AMOR ES…

«Hacer el amor… hacer el amor es como estar naciendo. Es amanecer en todo el cuerpo. Es no tener pasado ni recuerdos. Es ceñirse a la piel que enguanta la carne estremecida, el grito, el mar bullente, las rítmicas oleadas de la sangre, la torva oscuridad de los abismos, las barcas sin amarra, la lava del volcán, el rosal florecido, la voz ronca que murmura palabras sin sentido.

Es replegar las alas y acortar los vuelos, aplastar violentamente la tierra con nuestro peso.

Es circunscribirse exactamente a los límites de nuestro propio dibujo, sin salir ni un milímetro de ese contorno que todo lo aprisiona y lo contiene.

Que entren las explosiones, no que salgan.

Que los caminos huyan hacia adentro. Que el deseo sea red de trama muy cerrada que no permita que los peces huyan. Que los aprisione, vivos, en movimiento, relucientes. Que haga bajar las estrellas, que las estrellas pongan luz en cada célula.

Que el cielo baje, todo el cielo. Y que el infierno suba y crezca, como un bosque brotando lentamente en ese cielo.

Hacer el amor es estrenar las ansias, es convertir caricias y los cinco sentidos en algo nuevo, nunca antes usado. Es abrir a golpes de machete un camino en medio de la selva enmarañada, acelerar la savia de las plantas y agigantarlas.

Es ver por primera vez. Oír por primera vez. Tocar por primera vez. Oler por primera vez.

Sentir por primera vez el gusto agridulce de la transpiración y los jazmines. Que cada vez sea la primera vez, como un ciclo que empieza, como comienza el día y como comienza las cuatro estaciones.

Hacer el Amor es multiplicar por dos todo lo bello, lo mágico, lo bueno, lo creativo. Y es dividir por dos todo el dolor.

Es darlo todo y esperarlo todo.

Es tener la generosidad más exagerada y a la vez el egoísmo más atormentado. Es que el otro sea tu, y tu el otro, y ambos sean sabios, sepan de qué manera y con qué ímpetu se puede lograr la unidad perfecta. Cuáles son las palabras del mantra secreto que les salvará la vida, que les disolverá la angustia y el miedo.

Es la sed del desierto interminable. Y es, de pronto, la jugosa fruta que la abreva.

Es ser cántaro y canto, playa quieta y tormenta, lámpara y relámpago. Suavidad de satén, aspereza de tronco, huracán y silencio. Juego sereno, caballo desbocado, vértigo. Escalar altas cúspides.

Descender hasta el fondo del océano. Marearse entre nubes y medusas.

Es explotar el otro cuerpo viéndolo hermoso, aunque no sea hermoso, porque lo que lo vuelve hermoso es lo que se siente, lo que hace vibrar, estremecerse, lo que te hace sentir, lo que te brinda. Hacer el amor es vencer a la muerte, relegarla, perderle la pavura y el respeto.

Es concentrarse en el sentir del otro como el verano se concentra para hacer las ciruelas. Es ser un puerto al que los barcos llegan. Es el camino que nos trae de regreso.

Es creer y quitarse de encima las costumbres y los perjuicios para poder ser otra vez niños.

Es poner las dos manos para detener todas las flechas que fueron disparadas. Saber que la puerta está abierta, pero nos quedamos. Y nos quedamos porque el amor nos necesita y lo necesitamos, porque el encuentro de dos seres que se aman es el verdadero milagro, el más difícil, el más importante.

Hubiéramos podido cruzarnos por ahí sin vernos, mirando hacia otro lado, distraídos…

O haber pasado a diferentes horas por el mismo lugar, o no haber pasado nunca… Y no nos hubiésemos encontrado. Tuvo que haber un «algo», un mandato divino, una muy bien estudiada casualidad, para que, entre los cientos de millones de habitantes del mundo, tu y yo coincidiéramos en el mismo lugar al mismo tiempo.

Y que tu supieras.

Y que yo supiera. Para que alguna vez los dos supiéramos… alguna vez, quizá, que hacer el amor es siempre un estreno, como enamorarse, y no subir, volar a las estrellas, sino traerlas a nuestra geografía imperfecta, para que las estrellas produzcan el luminoso incendio, el fuego purificador que transforma la carne en todo el cielo…

Colaboración de Andrés Eduardo
México

 

(Fuente:  http://www.tubreveespacio.com/reflexiones-05ene05/hacer%20el%20amor.htm  y selección de Patrick)